Mele Flórez-Avellán

La Creación de la Diosa Azul

Mon, 20 Nov 2006 02:00:00 GMT

En el caso de la Diosa Azul, la modelo no estaba físicamente disponible para mí ya que vive en otro país. En un esfuerzo por tratar de hacer esta pintura realidad y para obtener una foto de la modelo que cumpliera con mis requisitos, le envié a ella algunos consejos para que alguien la ayudara a tomarse las fotos. Esto terminó siendo casi un experimento para ver si las pinturas hechas por encargo podían hacerse a distancia sin disponer del modelo.

Esta modelo (mi brillante sobrina) fue lo suficientemente hábil para tomarse las fotos ella misma… con una sola mano!

Ella me envió un buen número de imágenes guardadas en formato tiff (que es el formato que recomiendo). De todas las fotos escogí la que en mi mente se veía más como una futura pintura – desde el punto de vista de un pintor, algunos ángulos se ven más interesantes que otros.

Algo que hay que tener presente es que una foto tomada para ser el modelo de una pintura no necesariamente puede funcionar como una foto para ser impresa o montada; como artista, busco el contraste, poses inusuales y arreglos artísticos, y por ahora prefiero los fondos vacíos para enfatizar la cara.

Trabajé la imagen en Photoshop, acentué el contraste y guardé la imagen en colores y también en blanco y negro. Imprimí ambas imágenes auque la que me es más útil es la imagen en blanco y negro (Figure 1).

Figure 1. Foto en blanco y negro trabajada en Photoshop.

En una hoja de acetato transparente dibujé las líneas que servirán como base para la pintura (Figure 2).

Figure 2. Hoja de acetato con las líneas dibujadas.

Una vez que el lienzo estuvo preparado, apliqué varias capas de pintura para crear un fondo rústico. La pintura usada fue diluida en barniz brillante para proporcionar una característica transparente. Para aplicar la pintura usé pinceles y espátulas; luego dejé secar la pintura.

Proyecté las líneas de la hoja de acetato sobre el lienzo con un proyector. Esta técnica la aprendí hace varios años de una experta en quilts quien hace piezas grandísimas; ésta es una excelente forma de transferir la exactitud de un dibujo pequeño y bien hecho sobre un lienzo grande.

Con el proyector prendido, pinté las líneas proyectadas con pintura algo diluida y un pincel fino. Después que las líneas se secaron, comencé a trabajar con los colores (Figure 3).

Figure 3. Líneas proyectadas sobre el fondo de la pintura.

A veces dejo el proyector (apagado) en la misma posición hasta que termino la pieza; a veces lo quito. Creo que todo depende de cuán bien me apegue a las líneas originales.

Entonces continúa el proceso de hacer que los colores funcionen. Mediante el uso de colores transparentes, el fondo rústico original siempre se puede ver; esto me parece muy interesante y atractivo. La aplicación de numerosas capas transparentes de pintura le da a la pieza dimensión y profundidad (Figure 4).

Figure 4. Más capas de pinturas aplicadas al lienzo.

Generalmente tomo fotos de mis piezas en cada una de sus etapas y luego las imprimo a color. También uso la foto como fondo de mi computadora para verla con frecuencia y analizar sus detalles. ¿Se parece a la modelo? ¿Funcionan bien los colores? ¿Hay algo en particular que necesite retocarse o volver a hacerse? ¿Cuánto más puedo acentuar el contraste? (Figure 5).

Figure 5. Mayor contraste.

También tomo notas en las fotos impresas en papel normal, dibujo en ellas, uso corrector blanco para corregir errores y agrego más líneas si es necesario. Todas estas correcciones las realizo luego con pintura sobre el lienzo.

Si en mi frenesí artístico me desvío del parecido – cosa muy posible, regreso a la proyección otra vez y veo cuál es el problema. A veces borro secciones enteras con gesso y comienzo de nuevo – no es muy divertido pero el parecido es muy importante para mí.

De vez en cuando unifico la pintura con una capa de barniz brillante ligeramente teñida de un color particular. Es sorprendente lo mucho que esta delgada capa le da a toda la pieza.

Cuando siento que la pieza está lista, la firmo con un marcador – negro, dorado, plateado o blanco. Fíjese que siempre dibujo un corazoncito en mi firma y a veces escondo un corazón en la propia pintura (¿puede encontrar el corazón escondido en el pelo de la diosa?).

Después que la pintura y la firma están secas, aplico una generosa capa de barniz brillante y dejo que se seque bien. Dios bendiga a los acrílicos, secan rapidísimo, pero si ha aplicado pintura muy espesa (impasto) permita que el cuadro se seque por más tiempo antes de barnizarlo.

Construyo mis propios soportes – con la ayuda de mi familia, corto el lienzo, hago los “stretchers” y engrapo el lienzo a la base. Esto me hace sentir libre, como que puedo decidir cuándo quiero pintar y de qué tamaño quiero pintar, sin más límites que el tamaño de lienzo que tenga a mano y mi propia experticia. Para esta diosa en particular, engrapé el lienzo sobre un pedazo de cartón piedra de 4´x 6´. La pintura fue hecha para eventualmente ser enviada por correo, por lo cual no se usó una base de madera para esta pieza.

Entonces… la pintura está lista… Volteo la pieza boca abajo encima de un edredón para no dañar la pintura. Mi esposo y yo quitamos las grapas… y así la Diosa Azul está lista para ser enviada a su destino final.

Figure 6. Retrato terminado.

Mele Flórez-Avellán

19-Nov-06 8:00 PM

The Making of the Blue Goddess

Thu, 09 Nov 2006 01:00:00 GMT

In the case of the Blue Goddess, the model wasn’t available to me as she lived in another country. In an effort to try to make the painting possible and to have a picture of the model that met my particular requirements, I sent her some tips so she could have someone helping her in taking her pictures. This ended up being a great test market to understand the potential complications of creating a commissioned portrait painting from a distance, without model availability.

This model (my brilliant niece) was skillful enough to take the pictures herself… one handed!

When the commissioned portrait was requested, she sent me a large number of images (saved in tiff format which is the format I recommend). From the pictures she sent me, I selected the one that I felt looked best for a commissioned painting – from a painter’s point of view, some angles look more interesting than others.

One thing to keep in mind is that a picture for a commissioned painting would not necessarily work as a picture to be printed or framed; as an artist, I look for contrast, unusual poses and artistic arrangements and, for now, I prefer empty backgrounds to emphasize the face.

I manipulated the image in Photoshop, enhanced contrast and saved it in both color and black and white. I printed the color and black and white images to look for tones, contrasts and other nuances of the subject - the black and white image is typically the most useful to me (Figure 1).

Figure 1. Black and white picture manipulated in Photoshop

On an acetate sheet (transparency), I drew the lines from the picture that would serve as the basis for the painting (Figure 2).

Figure 2. Acetate sheet with lines

Once the canvas was primed, a few coats of paint were applied to create a rough background. The paint used was diluted in gloss varnish to provide a transparent quality. Brushes and painting knives were used to apply the paint on the canvas. The piece was allowed to dry.

I projected the lines from the acetate sheet onto the canvas with an overhead projector. This technique I learned some years ago from Velda Newman - Contemporary Quilt Artist (this is one of the many ways Velda Newman's books have inspired and helped me). Using this method to transfer the drawing onto to canvas helps you be more accurate with the details.

With the projector on, I traced the lines on the canvas with thin paint and a fine brush. After the lines where dry, I started working with the colors (Figure 3).

Figure 3. Projected lines painted on background

Sometimes I leave the projector in the exact location (turned off) so I can re-hash the lines, if needed.

Creation of the commissioned portrait continues by adding colors to the face and other sections of the piece. Using transparent colors, the original rough background always shows through and I find that very interesting and attractive. I apply several transparent coats of paint to give the piece dimension and depth (Figure 4).

Figure 4. More coats of paint applied on the canvas

I usually take pictures of the pieces at every stage and print them in color. I also use the picture as the background for my computer which allows me to see it frequently and analyze the details.

Throughout the creative process, I will ask myself the following questions:

Does it look like the model?
Are the colors working well together?
Is there a particular spot that needs retouching or redoing?
How much can I accentuate the contrast? (Figure 5).

Figure 5. Stronger contrast

I also take notes on the pictures printed on regular paper, draw on them, use whiteout to correct mistakes and add new lines if necessary. All these corrections I do later on the canvas with paint.

If in my painting frenzy I deviate from the likeness (which is possible), I go back to the projection and see what has happened to the base idea. Sometimes I “delete” entire sections with gesso and start all over – this is not fun to do but the achieving a very close likeness is very important to me.

Every now and then I unify the painting with a coat of gloss varnish lightly tinted with a particular color. It’s amazing how much this thin coat adds to the whole piece.

Once I feel the piece is completed, I sign it with a marker – black, gold, silver or white. Note that I always add a heart in my signature and sometimes I hide one on the actual painting (can you find the heart on this goddess’ hair?)

After the painting and the signature dry, I apply a generous coat of gloss varnish and let it dry very well. God bless acrylics, they dry quite fast. If you applied sections with thick paint (impasto) you should allow for extra drying time before varnishing.

So, the painting is done… I turn the piece facing down on a comforter on the floor so the painting doesn’t get damaged. My husband and I remove the staples…and so the Blue Goddess can be shipped to her final destination.

Figure 6. Finished painting

NOTE: I build my own supports – with the help of my family, I cut the canvas, make the stretchers and staple the canvas onto the stretchers. For this particular painting, I stapled the canvas on a 4’ x 6’ Masonite board. The painting was created to eventually be shipped, so no stretchers were used on this piece.

If you are interested in a commissioned portrait painting of yourself or someone you love, please submit a contact form or submit a comment below. I will respond to your request within 24 hours and look forward to working with you!

8-Nov-06 7:00 PM

A lo Grande – La Belleza de Retratos a Gran Escala Hechos por Encargo

Wed, 25 Oct 2006 16:00:00 GMT

Las pinturas a gran escala capturan la íntima belleza de la gente y la naturaleza que la rodea. Los retratos grandes y llenos de color atraen la mirada de tal forma que luego es imposible dejar de verlos.

Disfruto mucho del proceso creativo de pintar retratos grandes, saturados de color y llenos de detalles especiales. Trabajo muy duro en mis pinturas hechas por encargo para capturar ese “algo especial” acerca del modelo – una mirada, un gesto, ese algo que identifica a la persona.

Es sorprendente lo que se puede lograr con una paleta llena de colores y mucho amor!

A veces más grande es realmente mejor!

Comencé a pintar cuadros grandes después que mi mamá me dijo, “pinta grande, grande es mejor!” Cuando pinté el Pato Philip (1.02m X 1.52m) ella dijo, “Bueno, no es tan grande…” Luego pinté el Pájaro Carpintero (1.22m X 1.66m) y mi madre dijo, “Ah, eso está mejor”. Misión cumplida (hice feliz a mi mamá)!

Desde ese entonces, cada vez que veo el Pájaro Carpintero me impresiona la forma en que la gama de colores salta hacia mí desde la pared. Me di cuenta que pintar cuadros grandes es definitivamente lo mejor, pero no estaba segura de cómo se verían los retratos en un tamaño tan grande.

Pinté a mi segundo hijo como el Guerrero Rojo (1.14m X 0.81m) y pensé que el tamaño era adecuado. Pero cuando mi sobrina vino de Noruega y noté lo mucho que había crecido, me inspiré para pintarla bien grande! Así nació la primera diosa – la Diosa Dorada (1.22m X 1.83m).

Para mí ya no había vuelta atrás y decidí que pintar retratos a gran escala era lo máximo!!

Encontrando Belleza en Colores Inesperados

Cuando estaba comenzando a pintar el retrato de la Diosa Dorada, le pregunté a mi sobrina cuáles eran sus colores favoritos para usarlos como inspiración en el esquema de colores del retrato. Me dijo rosado fuerte, amarillo y naranja – lo cual no es una combinación típica de retratos, pero resultó ser excepcionalmente bella!!

Cuando planificaba el retrato de mi sobrina mayor, quien vive en Venezuela, también le pedí su opinión en cuanto al esquema de colores. Después de una larga noche tomándose fotos ella misma, mi sobrina me dijo que quería su retrato en azules y verdes. Esto fue un reto ya que esos colores no reflejan ni remotamente los colores de la piel!

El retrato terminado, la Diosa Azul, resultó todo un éxito. Usé azules, verdes, dorados y blanco para crear una paleta de colores muy fresca. La pintura de esta diosa junto con la de mi hija mayor como la Diosa Violeta y mi hijo menor como el Guerrero Azul, me han hecho ignorar cualquier posible barrera cuando pinto con combinaciones de colores extremas que pudiesen parecer difíciles. Estos retos son ahora oportunidades para descubrir nuevos milagros en mis pinturas.

Vivo para crear!

El mundo de los retratos pintados por encargo es una vía abierta. Me encanta pintar nuevas caras en cualquiera que sea el esquema de colores que escoja el modelo!

¿Hay alguien especial en su vida para quien quisiera encargar un retrato?

Aunque puedo pintar y enviar los retratos a cualquier lugar del mundo, prefiero ser yo misma quien tome las fotos de los modelos siempre que esto sea posible. Si no vive en el área de Houston, Texas, use los siguientes consejos para tomar fotos de close up de alta calidad que sirvan de modelo para los retratos.

Consejos Útiles para Tomar Fotografías en Close Up para Retratos

Estos son algunos consejos para ayudarle a tomar fotos de close up que sirvan de modelo para pintar retratos:

1. Prepárese para tomar muchas fotos.

2. Siéntese delante de un fondo sólido y oscuro.

3. Apague el flash de la cámara y use luz natural o la luz de una lámpara puesta a un lado de su cara en un cuarto semioscuro.

4. Evite enseñar los dientes o sonrisas muy amplias. (Chicas, nos vemos mejor sin arrugas… una cara suave y relajada es mejor para nosotras.)

5. Si quiere mirar de frente a la cámara, siéntese con el cuerpo orientado hacia un lado y luego mire a la cámara, tratando de lucir natural, no posado.

6. Haga como Peter Pan: Piense en cosas lindas y agradables!

7. Explore ángulos interesantes – Vea ejemplos en revistas de modas. Juegue con las posiciones del cuerpo, acostado, reclinado, use las manos para tocar su pelo o su cara, ponga una mano sobre el hombro opuesto, etc.

8. Fotógrafo: Acérquese al modelo tanto como pueda. Las imágenes más grandes muestran mejor los detalles.

9. No use fotos que ya tenga tomadas de cumpleaños y ocasiones por el estilo. Pídale a alguien con ojo artístico que le tome las fotos.

10. Evite fotos en grupo – eso significa que su cara sale muy pequeña.

11. Guarde sus fotos en un formato de alta resolución (recomiendo tiff). Es difícil ver los detalles en fotos pixeladas.

Si está interesado en encargar un retrato para usted o para un ser querido, por favor envíe un formulario de contacto o escriba sus comentarios en el formulario que aparece a continuación. Responderé su mensaje en 24 horas y estaré encantada de trabajar con usted!

25-Oct-06 11:00 AM

La Historia de Mele

Tue, 24 Oct 2006 14:00:00 GMT

Mele Flórez-Avellán nació para crear. Desde muy pequeña Mele ha estado involucrada en procesos creativos de todo tipo. Mele ha trabajado con éxito en costura, quilting, poesía, composición de canciones (letra y música que también interpreta), arreglos vocales, obras de teatro y actuación, escultura con arcilla plástica, dibujo y su arte favorito: Pintar cuadros con pintura acrílica (al frío).

No es una sorpresa que esta creativa mujer haya encontrado su especialidad en la pintura de retratos. Su padre y su abuelo fueron excelentes pintores; Mele creció viendo a su detallista y creativo padre no detenerse ante nada, encontrando soluciones en objetos a su alrededor y aprendiendo arte a través de libros ya que no tuvo maestros. La colección de libros de Mele incluye la mayoría de las formas de arte y sigue creciendo.

Al encontrar en las pinturas acrílicas un medio apropiado para su rápido estilo, esta vivaz artista aprendió a manipular la pintura con diferentes utensilios, siendo las esponjas para esténciles las primeras herramientas con las cuales experimentó. El Pato Philip fue pintado completamente con esponjas, y en el Pájaro Carpintero usó una combinación de esponjas y pinceles. Sus trabajos más recientes fueron creados principalmente con pinceles, espátulas y sí, sus propios dedos y manos.

Tan detallista como su padre y gran admiradora de la belleza humana, Mele comenzó a dibujar caras en su temprana adolescencia, guiada por los libros de su papá. Ahora encuentra en la pintura acrílica una ventana para expresarse a través de los rostros de la gente.

La pintura de retratos a gran escala ocupan la mayor parte de su tiempo; Mele es extremadamente disciplinada y pone una especial dedicación a la creación de cada pieza, pintando retratos por encargo con amor y confianza.

Como Mele dice, “grande es lo máximo!”. La creación de retratos grandes ha impactado profundamente a esta talentosa artista. “Me encanta ver los detalles en formato grande y me emociona cuando veo los vibrantes colores salir del lienzo hacia mí”.

Mele es una persona colorida y así también son sus pinturas. Alegre y graciosa, siempre con un chiste a flor de labios, Mele transfiere su vitalidad sobre el lienzo mediante la vibración de esquemas de colores inusuales. “Me fascina cuando el modelo escoge los colores para su retrato. Me hace encontrarme nadando en un mar de colores que probablemente yo nunca hubiese escogido pero que sorprendentemente forman una combinación sólida, alegre y viva.”

Los retratos grandes hechos por encargo son una vía abierta que Mele transita con entusiasmo. Pintar caras en un formato de gran escala le permite explorar la belleza humana desde muy cerca. “El ser humano es la más bella creación de Dios.”

24-Oct-06 9:00 AM

‘Going Big’ – The Beauty of Large-Scale Commissioned Portraits

Tue, 24 Oct 2006 03:00:00 GMT

Large-scale paintings capture the intimate beauty of people and the nature that surrounds them. Colorful, large portrait paintings have a way of catching your eye, making it almost impossible to look away.

I really enjoy the creative process of making large portrait paintings, saturated with color and full of special details. With my commissioned portraiture paintings, I work hard to capture that ‘special something’ about the subject – that look, that glance, that feel of the person.

It is amazing what can shine through on a large palette with a little paint and a lot of love!

Sometimes bigger really is better!

I started creating big paintings after my mother told me, “Paint big; big is better!” When I painted Philip the Duck (40" X 60") she said, “Well, it’s not that big…” Then I painted the Woodpecker (48" x 64") and my mother said, “Ah, that’s lovely.” Mission accomplished (I made my Mom happy)!

From then on, every time I looked at the Woodpecker painting I was impressed by the way its array of colors jumped out at me from the wall. I decided that big was the way to go, but wasn’t sure how well portraits would fit in that large-scale painting mode.

I painted my son as the Red Warrior (45" x 32") and thought the size was adequate. But when my niece visited us from Norway and I saw how much she had grown up, I was inspired to paint her really big! Thus the first goddess was born - the Golden Goddess (48" X 72").

There was no turning back for me and I decided that painting large portraits is the way to go!!

Finding beauty in unexpected colors

When I was just beginning the Golden Goddess portrait, I asked my niece for her favorite colors as inspiration for the painting’s color scheme. She told me hot pink, yellow and orange – not your typical portrait color combination, but one that turned out to be beautiful!

When planning a portrait of my oldest niece who lives in Venezuela, I again asked for input on a preferred color scheme for the portrait painting. After a late night of taking photos of herself, my niece told me she wanted a portrait in blues and greens. This was a challenge, as those are not remotely close to skin-tones!!

The completed portrait, the Blue Goddess, turned out beautifully! I used blues, greens, golds and white to create a cool and fresh portrait color palette. This goddess painting, along with my daughter’s Violet Goddess and my son’s Blue Warrior portraits, have made me ignore any possible barriers when painting with extreme and seemingly difficult color combinations. These challenges are now opportunities for me to discover new painting miracles!

I live to create!

The world of commissioned portrait paintings is a wide open road. I love painting new faces in whatever color scheme the model desires!

Is there someone special in your life that you would like to commission a portrait of?

Although I can paint and ship portraits to any location worldwide, I prefer to take the portrait photos whenever possible. If you do not live in the Houston area, use the following tips to get great portrait-quality shots for me to paint.

Helpful guidelines for close-up portrait photography

Here are a few tips to help you with taking a close-up photo for a portrait painting:

Be prepared to take lots of pictures.
Sit or stand in front of a dark, solid background.
Turn off the flash and use natural light or the light of a lamp positioned to one side of your face in a semi-dark room.
Avoid showing teeth or big smiles. (Ladies, we look better without wrinkles… a soft, relaxed face is best for us)
If you want to look straight into the camera, sit with your body facing your left or right, and then turn your face to the camera and look natural, not posed.
Be Peter Pan: Think happy thoughts!
Explore interesting angles – See examples in fashion magazines. Play with body positions, laying down, reclined, use your hands to touch your hair or face, position one hand on the opposite shoulder, etc.
Camera man: Get as close to the subject as you can. Bigger images show better detail.
Don’t use that cute picture from your birthday that "Uncle Jack" took. It's better to ask someone with a photographic or artistic eye.
Avoid group pictures – that usually means that your face is too small.
Save your pictures with high resolution. Large portrait painting magic cannot be done with pixilated images!

If you are interested in a commissioned portrait painting of yourself or someone you love, please submit a contact form or submit a comment below. I will respond to your request within 24 hours and look forward to working with you!

23-Oct-06 10:00 PM